Días sin huella

Título original The Lost Weekend

Año                1945

Duración         101 minutos

País                 Estados Unidos

Dirección          Billy Wilder

Guión               Billy Wilder, Charles Brackett

Música             Miklos Rózsa

Fotografía        John F. Seitz

Reparto            Ray Milland, Jane Wyman, 

                         Philip Terry, Howard Da Silva,

                         Doris Dowling, Frank Faylan,

                         Mary Young, Anita Bolster.

Recurrir a los clásicos cuando no hay otra cosa por ver no es mala solución. Por mucho blanco y negro o más de 70 años a las espaldas, la cinta 

"Días sin huella" de Billy Wilder conserva su frescura como otras del mismo estilo y autor "Perdición" o "El apartamento" por nombrar una minucia de la larga lista de este genio del celuloide.Pero si el pensamiento avanza encuentra más y más pelis excelentes del autor: "Con faldas y a lo loco", "Irma la dulce". Lo cierto es que una película en blanco y negro ya no le interesa a nadie, pero son de un calado argumentativo que no escapan a la realidad actual, pese a pasar tanto tiempo desde su creación. En la misma temática de personas abandonadas al alcohol o las drogas,posteriormente encontramos

 "Living las vegas" de Mike Figgis o Transpoting ( aquí hace mella las drogas, donde el delirium tremens se apodera del humano). Lo que sucede en la cinta sigue vigente y no carece de interés en ningún momento de su proyección. Una gozada revisar de vez en cuando estas joyas casi perdidas en el tiempo.

Magical Girl

Título Original    Margical Girl

Año                     2014

Duración            127 minutos

País                     España

Director               Carlos Vermut

Guión                  Carlos Vermut

Fotografía           Santiago Recaj

Reparto              Luis Bermejo, Bárbara Lennie, José Sacristán,

                           Israel Errejalde, Lucía Pollán, Alberto Chaves,

                           Teresa Soria Ruano, Miquel Insúa, Elisabet Gelabert 

"Magical Girl" de Carlos Vermut ( Concha de Oro del festival de San Sebastián 2014 ) explora los mecanismos humanos como si de un rompecabezas se tratara. La película cuenta tres historias que se van relacionando entre sí. Están enlazadas por casualidades del destino, pero con rincones oscuros que el espectador se verá sorprendido ante situaciones extrañas, pero,¿ acaso el ser humano no es retorcido? Conectada en parte con el cine de Haneke de situaciones rocambolescas que se van encabronando conforme pasa el metraje y  desembocarán en un trauma. Y  por qué no emparentadas con las cintas de  Iñárritu como en "Babel" o "21 Gramos". Donde las historias y los personajes  se van enlazando a medida que avanza la acción. Son las tres vidas de los personajes, las cuales están conectadas por un interés personal que funciona como hilo conductor de la trama. Al mismo tiempo, se van enredando a medida que no se consiguen sus deseos para acabar en un drama social tal y como puede suceder en la vida.

Klass

Título original Klass ( The Class)

Año                 2007

Duración        99 minutos

País               Estonia

Director         Ilmar Raag

Guión            Ilmar Raag

Música         Timo Steiner, Paul Oja, Pärt Uusbeerg

Fotografía    Ktistjan-Jaak Nuudi

Reparto       Vallo Kirs, Pärt Uusberg, Paula Solvak,

                     Margus Prangel, Tiina Rebane, Merle Jäger,

                     Leila Sälik, Marje Metsur, Lauri Pedaja. 



"Klass" (La clase) de Ilmar Raag socava las relaciones de unos adolescentes en un instituto. Allí, unos alumnos se ceban a saco contra el más débil. Se produce acoso escolar a ese alumno con la intención de divertirse toda la clase, porque son cómplices en su totalidad puesto que nadie hace nada para remediar el comportamiento indecente. Se busca la risa fácil y la guasa sobre el acomplejado alumno. Las clases y el patio son los lugares más comunes donde buscan enfrentarse a su presa con la intención de vejarlo, por el simple hecho de reírse un rato de pasárselo bien a costa de envilecer al más débil,  que es más retraído y, por su condición, el más fácil de doblegar. Las situaciones, como ocurre en la realidad, se vuelven complejas y entran en acción factores externos ya sean los padres del acosado o bien los profesores que ven algo anormal en la situación, pero que no disponen de las armas necesarias para desmantelar un estado de violencia que emana de la complicidad de la propia sociedad. Aquí se podría abrir un debate si es culpa de los profesores, del sistema educativo que es más blando que en otros tiempos o de la sociedad que sube a unos tipos cada vez más irracionales. La película tiene un cierto parentesco con(1) "Elephant" de Gus Van Sant ( Palma de Oro en el festival de Cannes del 2003) donde se reconstruye de manera casi documental los hechos verídicos que sucedieron en la matanza del instituto de Columbine ( Colorado 1999).Por otra parte, José Corbacho afrontó el tema, con menos sangre, pero con mucha crueldad en su cinta(2) "Cobardes" ( Premio de la critica en el festival de Málaga 2008).

Buda explotó por vergüenza

Título original  Buda az sharm foru rikht

Año                  2007

Duración         81 minutos

País                 Irán

Director           Hanna Makhnalbaf

Guión              Marzieh Meshkini

Música            Tolibhon Shakhidi

Fotografía       Ostad Ali

Reparto          Nikbakht Noruz, Abdolali Hoseinali, 

                       Abbas Alijome 

"Buda explotó por vergüenza", premio Especial del Jurado en San Sebastián en 2007, de Hanna Marhmalbaf, que por aquel entonces no tendría más de diez y siete años, monta una película que más bien parece un documental por la veracidad diaria que imprimen sus personajes. Éstos son unos niños que deambulan por las montañas sagradas de Bamiyan ( en Afganistán), justo el lugar en que se encontraba tallado en piedra el Buda y que los talibanes hicieron explotar en sucesivas ocasiones ( la película se abre y se cierra con la tremenda explosión como símbolo de intransigencia del terrorismo). El valor de la cinta estriba en el realismo que imprimen esos niños que muestran, en forma de metáfora, la intransigencia de una sociedad y de un ambiente  cultural sin respeto a la convivencia entre las personas. Esto  siempre visto y ejecutado desde el punto de vista de los niños. La película trasncurre de la mano de una niña de seis años, llamada Baktay, que siente todo un reto algo tan sencillo y elemental como leer las letras de un cuaderno de la misma manera que lo hace su amigo vecino. ( en Francia la película se llamó cuaderno) A decir verdad, ese cuaderno conseguirlo cuesta casi media película porque sin él no puede acudir al colegio. Se suceden imágenes duras de un tipo de sociedad donde la vida no tiene importancia porque en cada segundo se está sobreviviendo a un peligro e infravalorando unos derechos humanos. Se suceden imágenes fuertes, por ejemplo, los bebes son atados del pie a una cama con cuerdas enormes para que no escapen barranco abajo, pues la boca de la cueva desemboca en un precipicio. La niña siente como un reto el hecho de leer igual que su amigo. Por eso intentará conseguir el material para acudir al colegio,siempre, eso si dajando sujeto a su hermano. La cinta muestra las condiciones humanas  y su forma de vida. Quizá la pionera de dar una visión de este mundo fue (1) " Las tortugas también vuelan" de Bahman Ghobadi.

Melancolía

Título original Melancholia 

Año                 2011

Duración        136 minutos

Director          Lars Von Trier

Música           Mikkel Maltha

Fotografía      Manuel Alberto Claro

Reparto          Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer

                        Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander

                       Skarsgard, Stellan Skarsgard, Udo Kier,

                       John Hurt, Brady Corbet, Cameron Spurr, 

                       Jesper Christensen.

"Melancolía" del director Lars Von Trier, un genio para muchos y un creído para otros, uno de los pioneros del estilo Dogma 95 que promulgaba un modo de dirigir diferente sin tanto tecnicismo ni efectos especiales y cámara en mano para acercarse más a unas situaciones próximas al personaje Asimismo como la forma de rodar siempre con un material cercano a la historia que se quiere contar.En definitiva, no busca el espectáculo sino las imágenes impactantes llevadas de la mano de una historia sencilla pero retorcida al mismo tiempo.  Este estilo puede causar aversión por el movimiento de la cámara continuado, pero por otra parte da la sensación de proximidad a los personajes. De un lado, es un tipo de cine especial que gusta mucho a aquellos espectadores que se acercan con pleno conocimiento de que va a dinamitar las estructuras establecidas, por otro lado, están aquellos que lo encuentran insoportable y soporífero. Bueno, la verdad es que si quieres llegar hasta el final de la película no te va a dejar indiferente. Así sucede en(1) "Rompiendo las olas" ( 1996) una historia de amor, un melodrama que te  estremecerá el corazón;(2) "Bailar en la oscuridad" ( 2000), película considerada como obra maestra por muchos críticos y un coñazo por otros, cuenta la historia de Selma y su sensibilidad por el prójimo en una situación al borde de la ceguera o las últimas (3)"Nymphomaniac volumen I y volumen II" donde Charlotte Gainsbourg realiza un papel un tanto bestia de obsesa del sexo. Seguro que sus cintas no van a dejar indiferente a nadie: los unos porque abandonarán su visión a la primera de cambio y los otros porque se quedarán hipnotizados en la pantalla de la genialidad del cineasta.

Salto al vacío

Título original   Salto al vacío

Año                   1995

Duración           88 minutos

País                   España

Director              Daniel Calparsoro

Música              Varios

Fotografía         Kiko de la Rica

Reparto            Najwa Nimri, Roberto Chalu, Alfredo Villa, 

                         Ion Gabella, Karra Elejalde, Kándido Uranga,

                         Saturnino García, Mariví Bilbao.     

Daniel Calparsoro le da un tono de thiller a sus películas a partir de la precariedad de los personajes que se mueven en un mundo miserable. Con esta película inicia una trayectoria de observación de los seres desprotegidos de la sociedad. Éstos aguantan el tipo debajo de su único  paraguas que depende de recluirse en su propio caparazón como auténticos bichos raros. El director remueve todos los resortes de esos desprotegidos sociales y les acerca el zoom de la cámara para mostrar su rabia y coraje de su situación extrema. Los protagonistas llevan en sus carnes las penalidades de la vida y lo aguantan como pueden, porque ese destino que van a pasar sus carnes nunca podrán huir de él. Están condenados, predestinados a sufrir las consecuencias de encontrarse en un lugar y una situación que ellos mismos nunca buscaron, pero que el entorno social los ha abocado a un callejón sin salida. Está rodeados de la  nada y no pueden confiar en nadie. El soporte que reciben de su familia, de sus colegas todavía les acarrea más al desastre en sus vidas. Las situaciones les queman, porque la camarilla de compañía les empuja a vérselas con la situaciones más cruda. Da igual que se encuentren en la ciudad como ocurre en posteriores películas (1) “Asfalto”, porque las compañías siguen siendo las mismas;  otras como( 2)"Guerreros" donde se metan en un tanque como cascos azules de paz en la guerra de los Balcanes, allí un guaperas como  Eduardo Noriega se las verá crudas con el sembrado de bombas en el suelo en espera de descuartizar cuerpos por los aires ; o que hayas tenido un pasado oscuro en la Guerra de Irak que no te deje vivir tranquilo como en(3) “Invasor”; o la última (4)“Cien años de perdón” que dejará con el culo al aire un entramado político de corrupción que en principio partía de un atraco y nada más. Los personajes están acorralados, no pueden salir de su situación y ante ese estado no queda otra salida que pelear hasta la muerte como el animal acorralado: arañar, morder, matar.

La pianista

Título original La pianiste

Año                  2001

Duración         130 minutos

País                 Francia

Director           Michael Haneke

Guión              Michael Haneke ( novela: Elfriede Jelinek)

Música            Martín Achenbach

Fotografía       Chistian Berger

Reparto          Isabelle Huppert, Benoit Magimel, Annie Girardot,

                        Anna Sigalevitch, Susanne Lothar, Udo Samel.


"La pianista" de Michael Haneke es una vuelta de tuerca a las relaciones sentimentales frustradas. La profesora de piano, Isabelle Huppert, siente en sus carnes la asfixiante vida que lleva entre las dos paredes de su casa con una madre que controla cada uno de los pasos que da su hija. Ésta se entrega en cuerpo y alma a su profesión de profesora de piano. Las carencias de su soledad al margen del piano las compensa con su forma de actuar altanera y  dictadora cuando trata a sus alumnos. Ella es perfeccionista hasta el máximo con éstos, pero lo que más prima en sus clases es que ellos fracasen porque su fracaso es un triunfo para ella, ya que no son capaces de llegar a su nivel, ni siquiera que lo intenten.

Nebraska

Título original                   Nebraska

Año                                   2013

Duración                          115 minutos

País                                  Estados unidos

Director                            Alexander Payne

Guión                               Bob Nelson

Música                             Mark Orton

Fotografía                       Phedon Papamichael

Reparto                           Brude Dean, Will Forte, Stacy Keach, Bob Odenkirk

                                         June Squidd, Missy Doty, Kevin Kunkel,

                                        Ángela McEwan, Melinda Simonsen.  




La palabra viejo en el personaje quiere decir testarudo, obstinado, dejado, acabado, pero al mismo tiempo entregado y convencido de lo que piensa de lo que quiere conseguir por mucho que le insistan aquellos que lo quieren que está equivocado y que debe desistir. Él mantiene la idea y su posición firme en su cabeza destartalada de realizar lo que lleva entre manos y hasta que no la consiga no parará. “Nebrasca” de Alexander Payne busca socavar en el espíritu humano para sacar de él el dolor y al mismo tiempo la contradicción en la risa.

Recursos humanos

Título original              Ressources humaines

Año                              1999

Duración                      100 minutos

País                              Francia

Director                       Laurent Cantet

Guión                          Laurent Cantet, Gilles Marchand

Música                        Varios

Fotografía                   Matthieu Poirot-Delpech

Reparto                       Jalil Lespert, Jean-Claude Vallod, Chantal Barré, Véronique

                                   de Pandelaère, Michel Begnez, Lucien Longueville.

Lautent Canter muestra en “Recursos humanos” el enfrentamiento, por una parte, entre los directivos de un empresa, que miran siempre por los intereses del negocio sin preocuparse demasiado por los asalariados, por otra parte, los trabajadores, por medio de los sindicatos, estiran al máximo la cuerda por conseguir más prestaciones sociales.  En medio de esta situación conflictiva se encuentran un padre, de un lado, ocupado en la empresa desde hace treinta años, ya envejecido, el cual realiza tareas en cadena que consisten en colocar un tornillo en un torno, así sucesivamente durante todas las horas laborales, de otro lado, su hijo que acaba de llegar de París para realizar las practicas en el despacho de recursos humanos de la empresa de su padre.

Tres colores Blanco

Año                      1994

Duración               92 minutos

País                       Francia

Director                Krzysztof Kieslowski

Guión                   Krzysztof Kieslowski

Música                 Zbigniew Preisner

Fotografía            Edward Klosinski

Reparto                Zbigniew Zamachowski, Julie Delpy, Janusz

                            Gajos, Jerzy Stuhr, Grzegorz Warchol, Jerzy

                           Nowak, Aleksandr Bardini, Cezary Harasimowicz

                          Jerzy Treta, Juliette Binoche, Forence Pernel

El cine de Kieslowki se mueve siempre entre los delirios amorosos del humano y la inquietud de éste para conseguir las metas que se propone. Los personajes principales buscan metas de satisfacción. Casi siempre ocurre después de una tragedia o un hecho abrupto. Pretenden descubrir nuevas fronteras para alcanzar otras sensaciones diferentes, las cuales les haga sentirse vivos.

Tres colores: azul

Título original    Trois couleurs: Bleu (Three Colours: Blue)

Año                    1993

Duración            98 min.

País                   Francia

Director             Krzysztof

Guión                Krzysztof Piesiewicz & Krzysztof Kieslowski

Música              Zbigniew Preisner

Fotografía          Slawomir Idziak

Reparto             Juliette Binoche, Benoit Régent, Florence Pernal

                           Charlotte Very, Hélène Vicent, Philippe Volter

                            Claude Duneton, Emmanuelle Riva.







https://www.youtube.com/watch?v=wItE0B13L-M

Las sutilezas de los pequeños detalles marcan el cine de Krzysztof. La cámara baja a ras de suelo justo donde se está cociendo lo más importante , lo que influirá en las vidas de las tres personas que van dentro de un coche. Allí se reflejará el manguito de un coche que gotea aceite y una niña con muy poco futuro.  La elipsis siguiente lleva al mismo coche casi a encaramarse por un árbol. Esas son las escenas iniciales de una familia rota, donde ha quedado una mujer abandonada a su propia suerta.

El hombre sin pasado

Título original            Mies vailla menneisyyttä

Año                            2002

Duración                    97 minutos

País                            Finlandia

Director                     Aki Kaurismäki

Música                      varios

Fotografía                 Timo Salminen

Reparto                     Markku Peltola, Kati Outinen, Juhani Niemelä, Kaija Pakarinen,

                                  Sakari Kuosmanen,Annikki Tähti, Elina Salo, Outi Mäenpää,

                                 Esko Nikkari, Pertti Sveholm, Matti Wuori, Aino Seppo,

                                Janne Hyytiïnen, Antti Reini, Tähti, Marko Haavisto,

                                Jukka Teerisaari, Jyrki Telilä, Jouni Saario

El bate de béisbol en la cabeza es lo que desearían ver  muchos espectadores que se sienten a ver "Un hombre sin pasado" Eso sí, siempre y cuando esos golpes sean tan certeros que los dejen en la inconsciencia permanente. Y que en el momento de despertar después del zurriagazo, ese pasado asqueroso e indeseable quedara borrado para siempre, con la posibilidad de abrir otro diferente. El protagonista de la película le sucede eso. Una vez moribundo en la cama del hospital, dado por muerto por los médicos, salta de la cama y busca una nueva vida de la nada. Parte decidido hacia la nada, para empezar de cero. Allí queda abandonado en la orilla del lago, incluso le arrancan las botas como tendido en el campo de guerra porque ya lo consideran fuera de esta tierra. 

4 meses, 3 semanas, 2 días

Título original                 4 luni, 3 saptamani, si 2 zili ( 4 Months, 3 Weeks y 2 Days )

Año                                 2007

Duración                         113 minutos

País                                 Rumanía

Director                           Cristian Mungiu

Guión                              Cristian Mungiu

Música                            No tiene

Fotografía                       Oleg Mutu

Reparto                           Anamaria Marinca, Vlad Ivanov, Laura Vasiliu, Alexandru 

                                         Potoceanu.

Mungiu cuenta la historia de dos estudiantes liadas en deshacerse de un embarazo no deseado en la Rumanía de Ceasescu. Esa sociedad cerrada donde se penaliza el aborto, pero que se practica igualmente de manera penosa al borde de la ley y con la vida en juego. No importaba el color de la dictadura, ni el país, porque ,excepto el personal adinerado que volaba sin peligro rumbo a Reino Unido, en caso de represión todos se miden con la misma vara. La cámara persigue todo el recorrido de Marinca, el personaje principal, el cual está obsesionado todo el tiempo en la preparación del aborto. Por donde pasa encuentra problemas, unos creados por su amiga embaraza que pese a ser un asunto suyo no ha sido capaz de dejar los temas ligados, otros que se busca ella misma si quiere saltarse las leyes, ya sea porque no tiene dinero o le apetece  y no compra un billete de autobús ( este hecho es común en todas las ciudades con métodos diversos ya sea saltando la barra o pegarse a otro pasajero para pasar con su billete). La trama se va complicando progresivamente, primero debe pasar  dificultades leves, después se ve implicada de gravedad su propia personalidad.

Una historia verdadera

Título original     The Straight Story

Año                     1999

Duración             111 minutos

País                     Estados Unidos

Director              David Lynch

Guión                John Roach, Mary Sweeney

Música              Angelo  Badalamenti

Fotografía         Freddie Francis

Reparto            Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Everett McGill

                        John Farley, Jane Galloway Heitz, Dan Flannery, Kevin P. Farley,

                        Wiley Harker, Tracey Maloney.

David  Lynch es el creador  de personajes marginados, perseguidos y detestados por la sociedad como el monstruo de la película en blanco y negro “El hombre elefante”. De la misma manera es capaz de enfrentarse a tramas complejas como en "Terciopelo azul", "Carretera perdida"o su serie más famosa de televisión "Twin Peaks"  donde los asesinatos y la intrigas están aseguradas. En "Una historia verdadera" el giro de la trama es total, porque tan solo las cosas más sencillas de un viejo inválido pueden remover, y de qué manera, las tripas y al mismo tiempo las pasiones del espectador. En cierta manera se podría comparar con la excelente “Nebraska” de Alexander Payne. Las similitudes son parecidas: el primero se le mete en el "perol" la obsesión de visitar a su hermano enfermo a una distancia de quinientos kilómetros con una cortacésped, el segundo se obsesiona por cobrar un premio, una estafa como otras muchas que hay hoy en día en la calle, que le ha llegado a su domicilio. En las dos películas observamos la tozudez de los ancianos, los cuales llevarán a cabo su idea cueste lo que cueste, pero al mismo tiempo el espectador las valorará y las sentirá como una locura propia.

Lago Edén

Título original    Eden Lake

Año                   2008

Duración           91 minutos

País                  Reino Unido

Director           James Watkins

Guión             James Watkins

Música           David  Julyan

Fotografía      Chistopher Ross

Reparto          Kelly Reilly, Michael Fassbender, Thomas Turgoose, Bronson Webb, Shaun Dooley, Jack O'Connell, Finn Atkins, Eliza Elkington.

º

Watkins maneja el tiempo de la acción  con maestría. Muestra un inicio romántico de una pareja que pretende perderse en los confines del bosque para pasar el fin de semana en soledad. La protagonista es maestra, profesional de la educación. Ese contrapunto del inicio donde demuestra el control de la clase  frente a unos alumnos educados contrasta enormemente con la jauría de adolescentes criminales que se las tiene que ver a medida que avanza la película. La felicidad con que inician la aventura puede confundir al espectador que espera un desarrollo argumental de terror. Aquello que iba a ser la locura de amor de un fin de semana  se tuerce completamente en una pesadilla sin fin.

Nueve Vidas

Título original Nine Lives

Año                 2005

Duración         114 minutos

País              Estados unidos

Director        Rodrigo García

Guión            Rodrigo García

Música         Edward Shearmur


Fotografía    Xavier Pérez Grobert



Reparto       Kathy Baker, Amy Brenneman, Elpidia Carrillo, Glen Close, Lisa Gay Hamilton,

                   Holly Hunter, Sissy Spacek, Robin Wright, Amanda Seyfriend, Jason Isaacs, Joe

                  Mantegna, Ian McShane, Molly Parker, Kay Place, Sydney Tamilia Poitier,

                 Aidan Quinn, Miguel Sandoval.

El cine de García se puede considerar intimista, que busca el perfil más humano del ser , pero casi siempre se decanta y se compromete con la mujer. Profundiza en los sentimientos, allí donde las heridas más duelen. Se podría emparentar con los personajes que crea Cesc Gay, por ejemplo, "En la ciudad" o "Ficció", el cual está siempre  comprometido con la sensibilidad humana. El hilo conductor de las historias es la relación entre padres e hijos: deseados,alejados, imposibles, distantes, incluso perdidos para siempre. Las relaciones de pareja, la vida y la muerte son temas constantes en sus historias. Todas ellas contadas desde punto de vista femenino.

Submarino

Título original

Submarino

Año

2010

Duración

110 min.

País

 Dinamarca

Director

Tomas Vinterberg

Guión

Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg (Novela: Jonas T. Bengtsson)

Música

Kristian Eidnes Andersen

Fotografía

Charlotte Bruus Christensen

Reparto

Jakob Cedergren, Peter Plaugborg, Patricia Schumann, Gustav Fischer Kjaerulff, Morten Rose, Helene Reingaard Neumann, Dar Salim, Sebastian Bull Sarning.

Vinterberg muestra las miserias de una sociedad danesa muy diferente a la que podamos pensar de bienestar y progreso. Los temas centrales son los de una madre alcohólica, los hijos abandonados y castigados por esa vida de miseria. El director, en sus inicios,  ya muestra las vertientes conflictivas del ser humano, por ejemplo, en su película “Celebración”  desde las alturas de la alta y corrosiva burguesía. Allí la familia se descarna como carroñas. Su cámara siempre está del lado de los desfavorecidos como ocurre en “La caza” donde un maestro de escuela siente el acoso desmedido de una comunidad de vecinos por culpa de un simple malentendido. O la última “Lejos del mundanal ruido” donde un amor imposible recorre toda la cinta sin que éste se pueda consumar. Por lo tanto, quiere mostrar esa sociedad danesa próspera, pero con sus lagunas, las mismas que encontramos en el ser humano de todos los tiempos. El director se queda con la marginación de una sociedad avanzada, la cual también dispone de un espacio humano abandonado y desprotegido. Los personajes están marcados por una infancia violenta. Es la etapa de la vida donde les marcará el camino para  seguir en la etapa adulta. El tiempo frío, gélido, nevado le da a la ambientación una soledad que siempre acompaña a los personajes, que marca el rumbo fatídico de la historia. Los protagonistas, marcados por esa infancia y una posterior estancia en la cárcel, no encuentran su sitio en la sociedad.

Le Week-End

Título original Le Week-End

Año                2013

Duración        89 minutos

País                Reino Unido

Director          Roger  Michell

Guión            Hanif    Kureishi

Música           Jermy  Sams

Fotografía       Nathalia Durand

Reparto           Jim Broadbent, Lindsay Duncan, Jeff Goldblum, Olly Alexander, Judith Davis,

                       Xavier De Guillebon, Brice Beaugier, Sebastian Siroux, Marie-France Alvarez,

                       Charlotte Leo, Denis Sebbah, Lee Breton Michelsen







       

Las películas pueden ser de diferentes géneros según el contenido temático. Los directores de cine, dependiendo de su estado, les interesa profundizar en la forma de pensar de una determinada generación. Por eso, unas reflejan la infancia o la pubertad del ser humano, en otras, la problemática en determinadas edades adultas: los cuarenta, los cincuenta, la vejez. En cambio, en “Lee-Week-End” vemos a un matrimonio de ancianos o viejos cachondos que nos llenan el espíritu de juventud.

Smoke

Título original Smoke

Año 1995

Duración 112 minutos

País Estados Unidos

Director Wayne Wang

Guión Paul Auster

Música Rachel Portman

Fotografía Adam Holender

Reparto Harvey Keitel, William Hurt, Stockard Channing, Forest Whitaker, Harold Perrineau, Jr. Ashley Judd, Giancarlo Esposito, Victor Argo, Erica Gimpal, Clarice Taylor, José Zúñiga, Malik Yoba, Mary Ward, Jared Harris, Stephen Gevedon, Howie Rose

Smoke recuerda la nostalgia, por un lado, de los locales públicos de antes, los cuales estaban llenos de humo. Por otro lado, estarán los detractores del tabaco que se sienten llenos de vida y sin necesidad de echar, rápidamente, en cuanto sales del local, la ropa que llevas puesta a la lavadora por el tufo a humo que desprende. Al margen de este comentario, la vida de un barrio fluye dentro de un estanco. Los recuerdos y la sucesión de acontecimientos imprevistos son el hilo conductor de la película. Aquello que pasó en un momento dado y que pudo cambiar el rumbo de una vida si hubiera sucedido de otra manera. Los personajes, como en la vida misma, se ven condenados a pasar por unas situaciones y unas circunstancias que en otras condiciones de ninguna manera afrontarían, pero son arrastrados hacia lugares y situaciones ajenas a su persona. El local de venta de cajetillas es el lugar donde suceden las aventuras y se intercambian sucesos de sus vidas. La clientela se sienta en el establecimiento a contar lo que sucede en el barrio o de su equipo de deporte. Se sienten atraídos por ese dependiente ( Harvey Keitel ) un tanto especial y de otros personajes como William Hurt que realiza el personaje de  escritor bohemio y perdido que se cuestiona las situaciones en que se encuentra.